Rencontres : initiatives d'artistes en Afrique

Jusqu’à novembre 2018, elle a exercé la fonction de commissaire d’exposition principale de l’établissement artistique new-yorkais Creative Time, pour lequel elle a notamment organisé la 11e édition de son Summit et monté le projet d’art public Basilea. Elle a aussi organisé Horse Takes King de Laura Lima, quatrième et dernier volet du polyptyque Slight Agitation à la Fondation Prada, où, depuis 2015, elle a monté les expositions True Value de Theaster Gates, T.T.T. Template Temples of Tenacity de Nástio Mosquito et Betye Saar: Uneasy Dancer.

Dyangani Ose a été commissaire de la huitième édition de la Biennale internationale d’art contemporain de Göteborg (GIBCA 2015) et commissaire de la section d’art international du musée Tate Modern (2011 – 2014). Dyangani Ose a exercé les fonctions de commissaire d’exposition au Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas et au Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Séville, directrice artistique des Rencontres Picha à la Biennale de Lubumbashi (Congo) en 2013, et commissaire invitée à la triennale SUD, Salon Urbain de Douala (Cameroun) en 2010. Elle a à son actif de grandes expositions : A Story Within A Story… (2015), Ibrahim El-Salahi: A Visionary Modernist (2013), Across the Board (2012–2014), Carrie Mae Weems: Social Studies (2010), Arte Invisible (2009, 2010), et Olvida Quien Soy/Erase Me From Who I Am (2006).

Dyangani Ose a publié et donné des conférences sur l’art africain moderne et contemporain. Elle a collaboré à des journaux d’art comme Nka and Atlántica. Elle a fait ses études de docteur en histoire de l’art et études visuelles à la Cornell University de New York ; elle est titulaire d’un diplôme d’études approfondies (MAS) en théorie et histoire de l’architecture délivré par l’Universitat Politècnica de Catalunya de Barcelone et d’une licence en histoire de l’art de l’Universitat Autònoma de Barcelone.  

Son utilisation des archives photographiques lui permet de manipuler le temps et l’espace, comparant ainsi les anciens récits coloniaux aux impérialismes économiques contemporains. Ses œuvres vidéo, installations et séries photographiques soulignent la manière dont les identités sont façonnées, transformées, perverties et réinventées. Son regard critique sur les sociétés contemporaines constitue un avertissement sur la façon dont les clichés culturels continuent à façonner des mémoires collectives et permettent ainsi aux jeux de pouvoir sociaux et politiques de continuer à dicter les comportements humains. Comme il le déclarait dans un entretien récent : « Je ne suis pas intéressé par le colonialisme en tant que nostalgie, ou par le fait qu’il s’agisse d’une chose du passé, mais par la perpétuation de ce système. »

Sammy Baloji (né en 1978 à Lubumbashi, RD Congo) vit et travaille entre Lubumbashi et Bruxelles. Il mène depuis septembre 2019 un doctorat de recherche en art à l’université Sint Lucas d’Anvers intitulé « Contemporary Kasala and Lukasa: towards a Reconfiguration of Identity and Geopolitics ».
Chevalier des Arts et des Lettres, il a reçu de nombreuses bourses, récompenses et distinctions, notamment lors des Rencontres africaines de photographie de Bamako et de la Biennale de Dakar et a été lauréat du Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative. En 2019-2020, il était pensionnaire de l’Académie de France à Rome – Villa Médicis. Depuis 2018, il enseigne à la Sommerakademie de Salzburg. Sammy Baloji est co-fondateur en 2008 des Rencontres Picha/Biennale de Lubumbashi.

Parmi ses expositions monographiques récentes figurent Sammy Baloji, Other TalesT, Lund Konsthall et Aarhus Kunsthal (2020), Congo, Fragments d’une histoire, Le Point du Jour, Cherbourg (2019), A Blueprint for Toads and Snakes, Framer Framed, Amsterdam (2018), Sven Augustijnen & Sammy Baloji, Museumcultuur Strombeek (2018), Urban Now: City Life in Congo, Sammy Baloji and Filip de Boeck, The Power Plant, Toronto et WIELS, Bruxelles (2016-2017) et Hunting and Collecting, Mu.ZEE Kunstmuseum aan zee, Ostende (2014). Il a récemment participé à la Biennale de Sydney (2020), la documenta 14 (Cassel/Athènes, 2017), la Biennale de Lyon (2015), la Biennale de Venise (2015), le Festival Photoquai au Musée du Quai Branly (Paris, 2015).
En 2020, il fait son entrée dans le Power 100, le classement des « personnalités les plus influentes du monde de l’art » de la revue britannique ArtReview.
Sa première exposition à Imane Farès, 802. That is where, as you heard, the elephant danced the malinga. The place where they now grow flowers, s’est tenue en 2016. L’artiste avait déployé dans les espaces de la galerie une installation qui fait désormais partie des collections de la Tate à Londres.

En 2007 elle a reçu le prix de l’Union européenne lors des Rencontres africaines de la photographie à Bamako (Mali), puis elle a remporté en 2010 le CRAF International Award of Photography à Spilimbergo, Italie, et le prix 2018 CatchLight Fellow à San Francisco, États-Unis. En 2019, elle est devenue la première femme noire à co-organiser l’exposition du prix Nobel de la paix et l’année suivante elle était la photographe primée de l’exposition.

Elle a été membre du jury de plusieurs concours photographiques, notamment le Sony World Photography Awards 2017 et le World Press Photo Contest 2017. Elle a aussi participé à de nombreuses rencontres photographiques, comme le sommet culturel de l’Union africaine, Art Basel et Tedx/Johannesburg. En 2019, elle a prononcé une conférence dans le cadre de la prestigieuse Sem Presser Lecture au World Press Photo Festival à Amsterdam. Ambassadrice de Canon, Aïda est la fondatrice du Addis Foto Fest (AFF), premier festival photographique international en Afrique de l’Est depuis 2010. Promouvant l’éducation et l’entreprenariat culturels, elle continue de monter des projets avec des institutions locales et internationales en Éthiopie et en Côte d'Ivoire. 

Il a participé depuis à de nombreux événements internationaux comme les biennales de Venise, Séoul, Sao Paulo, Bogota et exposé dans des manifestations d’art contemporain prestigieuses. Il est considéré aujourd’hui comme l’un des plus grands représentants de l’art contemporain panarabe.

Montrant les processus culturels complexes qui aujourd’hui traversent le monde islamique, son œuvre dépasse les idiosyncrasies et les frontières géographiques pour exprimer les préoccupations et les tourments du continent africain. Le sentiment d’appartenance à un contexte géopolitique et culturel spécifique et la nécessité de maintenir un lien avec son pays natal sont des éléments fondamentaux de la vie et de l’œuvre de l’artiste. L’art et l’existence lui sont inséparables. Ses souvenirs d’enfance, ses frustrations et la société dans laquelle il évolue semblent nourrir ses toiles, sculptures, vidéos et installations. Son œuvre concerne l’Égypte avec ses traditions, sa population, ses couleurs, sans jamais tomber dans l’exotisme ou la distanciation. Elle apparaît, au contraire, être proche des préoccupations de chacun. En réalité, l’Égypte est un cadre, un territoire habité par des êtres humains dont la fragilité est universelle, comme le sont l’indifférence, l’impuissance et la solitude, autant de faiblesses inhérentes à la nature humaine.  

Elle a exposé avec d’autres artistes dans de nombreux musées : Tate Britain (Londres, 2002) ; Centre Pompidou (Paris, 2004, 2009) ; Mori Museum (Tokyo, 2005) ; Baltic Centre for Contemporary Art (Gateshead, 2005) ; Musée d’Art Moderne d’Alger, (2007) ; Brooklyn Museum (New York, 2007) ; Gwangju Museum of Art (Corée du Sud) ; Centre Pompidou-Metz, (France, 2013) ; MMK Museum für Mordern Kunst (Allemagne, 2014) ;

Power Plant (Toronto) ; Smithsonian (Washington, 2015) ; Guggenheim et Studio Museum (NY) ; Museum Colecao Berardo, (Lisbonne, 2016) ; MAC VAL (France, 2017) et Whitechapel Gallery (Londres, 2019).

Elle a aussi participé à la Biennale de Venise (2001 et 2011) ; Biennale de Limerick (Irlande 2001) ; ICP Triennial (New York, 2003) ; Sharjah Biennale (EAU, 2003 et 2007) ; Folkestone Triennial (2011) ; Biennale de Thessalonique (Grèce, 2011), Prospect, Nouvelle Orléans, (États-Unis, 2016) et Liverpool Biennale (R-U, 2021).

Zineb Sedira est à l’origine d'aria, résidence pour artistes à Alger, qui promeut le développement de la scène artistique contemporaine à Alger par les échanges et les collaborations interculturels.

L’artiste a été présélectionnée pour le prix 2021 décerné par la Fondation photographique de la société Deutsche Börse.

Ses prochaines expositions personnelles en 2022 se tiendront au De La Warr Pavilion au Royaume Uni, Dallas Contemporary aux États-Unis et au musée Calouste Gulbenkian au Portugal

En avril 2022, Zineb Sedira représentera la France à la 59e Biennale de Venise. 

Il y a créé Bandjoun Station, une fondation inaugurée en 2013 destinée à accueillir en résidence, dans des logements-ateliers, des artistes et des chercheurs du monde entier pour développer des propositions en adéquation avec la communauté locale. Il en parle en ces termes : « Mon idée avec Bandjoun Station était de marier l’art classique africain et l’art contemporain mondial, d’exposer ces oeuvres dans un même espace, sans ghettoïsation ou hiérarchie de valeurs. […] C’est ainsi que Bandjoun Station deviendra un carrefour, un véritable lieu de rencontre entre l’art classique et l’art contemporain ». Il y développe également des projets d’agriculture dans un esprit de développement durable et sain.

Dès la fin des années 1990, ses oeuvres sont remarquées par plusieurs critiques et conservateurs qui l’invitent dans de grandes manifestations : Hans Ulrich Obrist en 1999 pour Migrateurs (ARC, Paris), Jean-Hubert Martin en 2000 pour Partage d’exotismes (Biennale de Lyon), Pierre Restany en 2001 pour Political Ecology (White Box, New York) et Okwui Enwezor en 2015 pour la Biennale de Venise, All the World’s Future. En 2016, Barthélémy Toguo fait partie des quatre artistes nommés pour le prix Marcel Duchamp et, à cette occasion, il présente l’installation Vaincre le virus ! au Centre Pompidou.

En perpétuelle rébellion contre les dysfonctionnements du monde, de nombreuses de ses pièces traitent de la migration et de l’exil. La nature, autre thème cher à l’artiste, est souvent présente comme dans sa série Homo Planta, peinture exprimant son souhait de voir l’homme cohabiter en harmonie avec la nature. Les oeuvres de Barthélémy Toguo oscillent donc entre dénonciation des inégalités et célébration de la vie, du corps et de la nature.

Ses oeuvres sont présentes dans de nombreuses collections dont celles du Musée National d’Art Moderne (Paris), de la Bibliothèque Nationale de France (Paris), du MAC/VAL (Paris), de la Tate Modern (Londres), du Museum of Modern Art (New-York), du Museum of Contemporary Art (Miami), du Pérez Art Museum (Miami), de la Fondation Louis Vuitton pour la création (Paris), de la Collection Agnès b. (Paris). Une commande récente et pérenne a été passée à l’artiste pour quatre dessus-de-porte au Musée Rodin (Paris).